かつてメキシコにおける階級闘争の主舞台であった「アシエンダ（大農園）」は、今やオープンプランオフィスの蛍光灯が唸る空間へと取って代わられた。現代の文化的想像力において、役員会議室は単なる商取引の場ではない。そこは、ポストコロニアル社会の硬直した階層構造と、能力主義（メリトクラシー）という新自由主義的神話が衝突する剣闘士の闘技場である。動画配信大手Netflixで配信が開始された新シリーズ**『アモール: 恋とキャリアの欲ばり方』**（原題：Amor de oficina）において、この摩擦はハイダイナミックレンジの光沢ある表層で覆われ、ロマンティック・コメディとしてパッケージ化されている。しかし、その実体は、意図的か否かに関わらず、「ゴディネス（Godínez）」という労働条件と「ミレイ（Mirrey）」という貴族階級の対立に対する鋭い批評として機能している。
多作なショーランナー、カロリーナ・リベラが生み出したこのシリーズの前提は、一見すると「敵対する二人が恋に落ちる」という使い古された定型表現を企業の経営幹部層（C-suite）に移植したもののように映る。しかし、単なるジャンルの演習として片付けることは、本作がコード化している産業的・社会的な不安を見過ごすことになる。大手下着メーカーという、リスクも伸縮性も高い世界を舞台に、物語はCEOの座を争う二人の幹部、グラシエラとマテオを追う。彼らのライバル関係は単なる職業的なものではなく、二つの異なる「メキシコ」の衝突である。グラシエラは能力こそが通貨であると信じる野心的な中流階級の女性を象徴し、オーナーの息子であるマテオは、ラテンアメリカの企業風景の多くを依然として支配する世襲的特権を体現している。
本作が先行作品と一線を画しているのは、その舞台設定に内在する有害さ（トキシシティ）から目を背けない点にある。マシンガンのような早口の会話や状況的な不条理さでシットコムの仮面を被ってはいるが、その底流では、親密さの商品化、労働の不安定さ、そして歴史的にマチスモ（男性優位主義）が支配してきた空間における「新しい男性性」のパフォーマンスといった問題と格闘している。Netflixの巨額投資プロジェクト「Que México Se Vea（メキシコを見よう）」の一環として、本作はプラットフォームの戦略に対するリトマス試験紙の役割を果たしている。すなわち、オフィス生活のありふれた日常を描く超ローカルな物語が、「真正性」と「親しみやすさ」の両方を求める世界中の視聴者に翻訳可能か否か、という問いである。
キュービクルの社会学：「ゴディネス」の脱構築
**『アモール: 恋とキャリアの欲ばり方』**の物語構造を理解するには、まずその中心的文化的元型である「ゴディネス（Godínez）」を理解しなければならない。メキシコのスラングでこの用語は、ルーチンワーク、タッパーウェアの弁当、公的官僚機構への順応、そして「キンセナ（給料日）」への完全なる依存によって定義される給与所得者を指す。歴史的に、ポップカルチャーにおいてゴディネスは嘲笑の対象であり、順応主義と主体性の欠如の象徴であった。しかし、近年の文化的なシフトにより、このアイデンティティの再定義が進んでおり、ゴディネスは自らの物語の主人公として、搾取システムを生き抜く強靭なサバイバーとして描かれるようになっている。
アナ・ゴンサレス・ベジョ演じるグラシエラは、この再定義されたゴディネス・アイデンティティの極致である。彼女は受動的な歯車ではない。オフィスの所有者以上にそのメカニズムを熟知した、極めて有能なオペレーターだ。脚本は彼女の野心を性格的欠陥としてではなく、生存戦略として位置づけている。非正規雇用と停滞が特徴的な労働市場において、CEOの座を求める彼女の欲望は、自己価値の過激な主張となる。ゴンサレス・ベジョの演技は、この上昇志向に内在する疲労感を強調している。同じ場所に留まるために人の二倍の速さで走らねばならない彼女の姿は、メキシコの女性労働力の現実と深く共鳴する。
対照的に、劇中で描かれるオフィス環境――「廊下の噂話」「誕生日ケーキ」「故障したコーヒーマシン」に満ちた空間――は、メキシコ国家そのものの縮図として機能する。そこは、公式のルールが非公式な社会的ネットワークによって絶えず回避される場所だ。インフラの故障（コーヒーマシン）と社会的イベントの儀式化（ケーキ）は、単なる背景のギャグではない。制度が頻繁に機能不全に陥り、個人的なコネクションだけがセーフティネットとなる社会の質感そのものである。
二世のジレンマ：「ミレイ」の転覆
グラシエラが実力主義（メリトクラシー）の英雄であるなら、マテオは縁故主義（ネポティズム）の悪役である――少なくとも紙面上は。ディエゴ・クライン演じるマテオは、「ミレイ（Mirrey）」、すなわち誇示的な富、特権意識、そして労働者階級の現実からの乖離を特徴とする社会的元型である。近年、世界のエンターテインメント業界の見出しを独占している「ネポベイビー（親の七光り）」の言説は、教育や才能よりも家名が成功の確実な予測因子となるメキシコにおいて、特に切実な表現を見出している。
しかし、**『アモール: 恋とキャリアの欲ばり方』**はこの人物像のニュアンスに富んだ脱構築を試みている。マテオを一次元的な敵対者として描くのではなく、シリーズは「遺産」という重荷を探求する。クライン演じるマテオは、「ネポベイビー」というレッテルとそれが生む反感を自覚している。彼の物語の弧（アーク）は、実演的な能力証明の旅だ。彼は自分が単なるDNA以上の存在であることを証明しなければならない。これが、本作のロマンスの原動力となる緊張感をもたらす。パワーバランスがこれほどまでに歪んでいる中で、階級の分断を越えた愛は存在し得るのか？
シリーズは、マテオが前世代の権威主義的スタイルを拒絶する「新しい男性性」を象徴していると提起する。彼は怒鳴り散らす「ヘフェ（ボス）」ではない。ソフトパワーを行使する、物腰の柔らかい魅力的な幹部である。しかし、本作は視聴者に対し、これが真の進化なのか、それとも家父長的な権力の単なるリブランディングに過ぎないのかを問うている。グラシエラとの直接対決に参加することで、マテオは自らの特権と対峙せざるを得なくなる。オーナーである父親が仕組んだCEOの座を巡る競争は、彼の地位による保護を剥ぎ取り、理論上は競争の場を平準化する。
親密性の経済学：下着のメタファー
業界の選択は偶然とは程遠い。企業戦争の舞台を下着メーカーに設定することで、制作者たちは「職業的領域」と「私的領域」を明示的にリンクさせている。下着は肌に最も近い層であり、脆弱さの商品化である。登場人物たちは、欲望、快適さ、そして自己イメージをパッケージ化して販売するビジネスに従事している。これは、シリーズが広範囲にわたって採掘する隠喩的ポテンシャルの豊かな鉱脈を提供している。
物語の鍵となるプロジェクト「ハネムーン・ライン（Línea Luna de Miel）」は、主人公たちの試金石として機能する。このラインを立ち上げるために、彼らは「親密さ」を理解しなければならず、維持しようとしている職業的距離の侵害を余儀なくされる。宣伝資料にある「ツイスターゲームに耐えられれば、ハネムーンも耐えられる」というセリフは、ロマンスの商品化をシニカルかつ滑稽に示唆している。登場人物たちは情熱をストレステストとして、あるいは設計・マーケティングされるべき製品機能として扱う。
この設定はまた、役員室の無菌性と製品の官能性を対比させる視覚言語を可能にする。職業的ライバル関係に先行する「情熱的な一夜」は、これら二つの世界を崩壊させる発端となる出来事だ。標準的な企業ドラマにおいてセックスはしばしば気晴らしに過ぎないが、ここではそれこそがビジネスである。彼らを取り囲むマネキン、布見本、マーケティングキャンペーンに肉体的な魅力が反映されているため、登場人物たちはその引力から逃れることができない。
クリエイティブの構造：リベラのタッチ
ショーランナーのカロリーナ・リベラは、現代メキシコの視聴者のハイブリッド性を理解するクリエイターとして、ストリーミングの風景の中に独自のニッチを切り開いてきた。『2人の母』（Madre solo hay dos）などの前作は、ハイコンセプトな前提と地に足の着いた感情の機微を融合させる才覚を証明している。**『アモール: 恋とキャリアの欲ばり方』**において、リベラはこの公式を職場コメディに応用した。その結果、キャストが「テレノベラ風シットコム」と表現する、独特なトーンの融合が生まれた。
このハイブリッドなジャンルは重要だ。これは、エピソードごとに現状がリセットされるアメリカのシットコムの純粋にエピソード的な構造を拒否し、テレノベラの連続的で感情的なアーク（物語の弧）を支持する。関係性は変化し、秘密には結果が伴い、賭け金はメロドラマ的につり上がる。それでいて、テンポは熱狂的で、会話は鋭く、映像言語はソープオペラとは一線を画す。リベラの脚本はキャラクター間の摩擦を優先し、「敵から恋人へ」の定型を単なるロマンスのためだけでなく、対立する世界観の摩擦を探求するために用いている。
業界のベテランであるフェルナンド・サリニャーナと、セバスティアン・サリニャーナやナディア・アヤラ・タバクニックといった若き才能たちが共同で監督を務める体制は、この二面性を反映している。フェルナンド・サリニャーナの社会派映画での経験が番組の階級批評を基礎づける一方、若手監督たちはストリーミング時代の「アテンション・エコノミー」に適した運動エネルギーをシリーズに注入している。その結果、洗練され、高予算を感じさせつつも、文化的に特異な作品が完成した。
新自由主義の視覚言語
視覚的には、本作は従来の放送テレビの平坦で明るい照明から逸脱している。Netflixのトップティア作品で好まれるAlexa 35やSony Veniceシステムと思われるハイエンドのデジタル撮影技術を駆使し、魅惑的でありながら疎外感を与えるオフィスの美学を構築している。オフィス空間における冷たい青やグレーの使用は企業資本主義の冷徹な論理を強調し、一方で暖かく柔らかなトーンはキャラクターのプライベートな瞬間のために予約され、「職業人」と「人間」の間の障壁を視覚的に強化している。
カメラワークは頻繁にフレーム内でグラシエラを孤立させ、企業のモノリス（一枚岩）に対する彼女の孤独な闘いを強調する。対照的に、マテオは広大なデスクの後ろや広々としたアパートなど、余暇や権力の空間の中でフレームに収められることが多く、富がもたらす「空間的余裕」を際立たせている。「ハネムーン・ライン」のシーケンスでは、ソフトフォーカスと触覚的な映像美という異なる視覚的語彙が導入され、企業の無菌性を攪乱する。
産業的文脈：Netflixのメキシコ・ギャンビット
**『アモール: 恋とキャリアの欲ばり方』**は、メキシコの映像産業にとって極めて重要な瞬間に登場した。Netflixによる同地域への攻撃的な投資は、Amazon Prime Video、Disney+、HBO Maxといった競合他社の間で細分化が進むラテンアメリカ市場を囲い込む必要性に駆り立てられている。「Que México Se Vea」キャンペーンは、メキシコの物語の主要な発信地になろうとするNetflixの意思表明である。
この戦略には、過去10年間のメキシコの輸出作品を定義してきた「ナルコ・ドラマ（麻薬カルテルもの）」からの脱却が含まれる。プラットフォームは、世界の視聴者が地方の暴力ではなく、都市の野心によって定義されるメキシコを見る準備ができていることに賭けている。『アモール: 恋とキャリアの欲ばり方』のようなコメディに投資することで、Netflixはポートフォリオを多様化し、重厚なプレステージ・ドラマと並んで「コンフォート・フード（心が安らぐ作品）」を提供している。Amazon Primeによる『La Oficina』（『The Office』の現地リメイク版）とNetflixの本作が同時期に制作されていることは、各プラットフォームが異なる風味の職場風刺を提供する「オフィスコメディ戦争」の勃発を示唆している。
演技と元型：アンサンブル
主演の二人以外にも、シリーズはその世界観を肉付けするために強力なアンサンブルキャストに依存している。マヌエル・カルデロン演じるグティエレスは、オフィスの「普通の男」として、不可欠な「ギリシャ悲劇の合唱隊（コロス）」的視点を提供する。グティエレスは、経営幹部が来ては去っていくのを見てきた従業員であり、その忠誠心は第一に自らの生存に向けられている。カルデロンはこのキャラクターを風刺と共感の混合物と表現し、主人公たちの高電圧なドラマに対する必要なアース線としている。
アレクシス・アヤラやマルコ・トレビーニョといったベテラン俳優たちは、上層部の役に権威の重みをもたらし、グラシエラとマテオが乗り越えなければならない「旧体制」を体現している。彼らの存在はシリーズをメキシコテレビ史の系譜に接続し、マルタ・レジェス・アリアスやパオラ・フェルナンデスを含む若手キャストは、ストリーミング時代に育った新世代の才能を代表している。
批評的評決
**『アモール: 恋とキャリアの欲ばり方』**は、自らが何であるかを正確に理解しているシリーズだ。それは、現代メキシコの生活を考察するためのレンズとして職場を利用した、洗練され、娯楽性に富み、文化的に共鳴するロマンティック・コメディである。不平等や性差別といった問題に急進的な解決策を提示するわけではないが、このジャンルにしては斬新な率直さでそれらを認めている。労働の正当な評価を求める女性と、特権意識を捨て去らねばならない男性を中心に据えることで、シリーズは楽観的ではあるが魅惑的な「進歩のファンタジー」を提供している。
これは、我々が9時から5時まで身につける仮面と、その仮面が外れたときに何が起こるかについての物語である。最終的にこのシリーズは、企業世界で最も危険なものは敵対的買収や市場の暴落ではなく、真の人間的なつながりであることを示唆している。
本シリーズは2026年1月1日に配信が開始された。
