Claire Oliver Gallery は、写真家・キュレーターの Ruben Natal-San Miguel が企画するグループ展 We AmeRícans を開催する。プエルトリコ出身およびプエルトリコ系のアーティストを世代を超えて招き、絵画、写真、彫刻、版画、テキスタイル、ミクストメディアにわたる作品群を紹介する。タイトルは Tato Laviera の詩「AmeRícan」に由来し、文化的ハイブリディティとコミュニティを軸に、ニューヨークを中心とするプエルトリコ・ディアスポラのアイデンティティ、レジリエンス、日常の在り様を可視化する。
キュレーションの方針は、展示を記録と継承という二重の機能として位置づける。単一の命題を掲げるのではなく、作品を重層的な「記録」として編成し、個々の物語が重なり合うことで、移動・労働・文化的誇りという共有経験の地形を描き出す。視覚表現は、プエルトリコおよび Nuyorican（ヌヨリカン）コミュニティの生活を反映するだけでなく、アーティストを地域社会、家族の記憶、市民的制度へと結びつける世代間アーカイブを維持・拡張する営みでもあるという認識が基底に置かれている。
ギャラリーは本展を、歴史とアイデンティティの理解を広げる実践を継続的に支援するプログラムの延長線上に据える。ハーレムのスペースを、プエルトリコの経験に根差した多声的なプレゼンテーションに充てることで、アートの生産、コミュニティ・オーガナイズ、制度形成が相互依存的に連関する都市的コンティニュアムを強調する。ニューヨークという場所性は単なる背景ではなく、スタジオ・プラクティスを同地におけるプエルトリコ文化の長い蓄積へと接続する、物語の中核でもある。
参加作家は Carlos Betancourt、Elsa María Meléndez、Erica Morales、Ruben Natal-San Miguel、Dave Ortiz、Felix Plaza、Wanda Raimundi-Ortiz、Nitza Tufiño、Beatriz Williams、James Cuebas、Danielle de Jesus。素材やプロセスは多様だが、日常の景、世代間の結びつき、労働に彩られた生活のテクスチャという主題で交差する。Betancourt のパフォーマティブなインスタレーションは、より親密なスケールの作品に対する公共空間へ開かれたカウンターポイントをなし、他の出品作は版画、テキスタイル、物語性の強い絵画といった系譜を現在へと引き寄せる。
制度的な系譜も明確に示される。El Museo del Barrio と Taller Boricua Printmaking Studio の共同創設者である Nitza Tufiño の参加は、ニューヨークのプエルトリコ系アートが築いてきた数十年のインフラと本展を直結させ、文化的実践がしばしば場をつくり、若手を育成し、コミュニティ工房を運営することを含むと想起させる。James Cuebas は East Harlem の Rafael Tufiño Printmaking Workshop と Lower East Side Printshop における活動を通じて、ガム・ビクロマート、リトグラフ、シルクスクリーン、モノプリントなどの技法を探究し、この系譜を現在へと延長する。これらのネットワークの提示は、本展のナラティブにおいて「プロセス」と「場所」が不可分であることを明確にする。
同時に、新しい制度的可視性も取り上げられる。Yale 大学院で学び、Whitney Biennial に参加、近年は MoMA PS1 でも発表した Danielle de Jesus は、アカデミア、ミュージアム、コミュニティの場を自在に往還する若い声として参加する。彼女の存在は、確立した作家、ワークショップ由来の実践、新しい声が硬直したヒエラルキーなしに同じ空間を共有するという、本展の世代横断的な構造を強化する。
Wanda Raimundi-Ortiz は、欧州肖像画、コミック、パフォーマンス、フォークロア的参照を織り交ぜたハイブリッドな言語で、人種、トラウマ、修復の課題に取り組む。Smithsonian National Portrait Gallery や Museo de Arte de Puerto Rico といった主要機関での実績、国際ビエンナーレでの活躍は、We AmeRícans をトランスリージョナルな文脈に位置づける。これらは単なる経歴の列挙ではなく、プエルトリコの声が多様なプラットフォームを循環しつつ、コミュニティの語りに根を張り続けることの証左である。
テキスタイル、版、クラフトに隣接する実践は、特に重みを持って扱われる。Smithsonian の American Portraiture Today で観客賞を受けた Elsa María Meléndez は、針と糸、布を物語と批評の器へと転化する。素材と形式への厳密なアテンションのもとでは、家内的・応用的な芸術が政治的記憶の媒介となり得ることを示す。キュレーションは、こうした素材を絵画や写真と同列に置き、長らく「クラフト」としてコード化されてきたメディウムをめぐる今日的議論と呼応させる。
Rema Hort Mann Emerging Artist Grant の受給者である Erica Morales は、ニューヨークで教育者とアーティストの役割を併せ持つ実践を前景化する。教室、ワークショップ、スタジオが文化知の継承において相互補完的に働く場であることを可視化し、フォーマル／インフォーマル双方のメンタリングの重要性を強調する点で、本展の「保存」のロジックを支えている。
新進の視点にも意図的にスペースが割かれる。最年少の参加者である画家 Beatriz Williams は、プエルトリコの継承とニューヨークにおける家族生活の近接と距離を主題に、記憶と地理の双方に根差した親密さを描く。Felix Plaza はギャラリーデビューを飾り、版と絵画のあいだで育ちつつある声を提示する。いずれの場合も、キュレーションの関心は「新規性そのもの」ではなく、次世代が共通の主題をいかに継承し、変奏し、言い換えるかという連続性に置かれている。
歴史的コンテクストも具体的に敷設される。20世紀半ば、島での経済的圧力、都市で拡大する雇用、航空移動の身近化が重なり、多くのプエルトリコ人が本土へ移り住んだことでニューヨークの様相は大きく変化した。社会・経済の変化が、アーティストが記録し再解釈する主題、素材、コミュニティの構造にいかに影響したかを読み解くための枠組みとして、この背景は機能する。
また本展は、ニューヨークの衣料産業—とりわけロウアー・イースト・サイド—においてプエルトリコ女性が果たしてきた中心的役割にも言及する。この労働史を明示することで、スタジオでの生産は、技能と創造性、相互扶助が家族と地域を支えてきた工房・工場・家庭空間から成る、より広い「作ることの経済」と結びつく。テキスタイルの実践と衣料分野の接点は、ギャラリーにおける物質的言語が、持続的なクラフトやケアの文化と共鳴するさまを際立たせる。
展示全体を通じ、メディウムの多様性はチェックリストではなく、語りのレンジを示す証左として扱われる。絵画と写真は、版、テキスタイル、彫刻、ミクストメディアと並置され、ディアスポラが本質的に複数形であることを想起させる。Laviera の「AmeRícan」への参照は、言語・記憶・近隣・移動が絡み合ってアイデンティティを形成するという長年の文学的系譜を呼び込み、この点を補強する。世代横断的で、プラットフォームを横断し、具体的なコミュニティ機関に根ざす展示構成は、その理念に具体性を与えている。
Natal-San Miguel 自身の実践は、本展のトーンと方法論を理解する手がかりとなる。彼の写真は Museum of Fine Arts, Boston、The Studio Museum in Harlem、El Museo del Barrio などに収蔵され、都市やストリートの生活、それを形づくる人々への持続的な関心を物語る。ここでは、その感性が、スペクタクルよりも生の経験とコミュニティの記録に重心を置き、各作品をより大きな市民的歴史の一片として読むキュラトリアル・ストラテジーへと転化している。
総じて We AmeRícans は、「存在」と「継続」をめぐるステートメントとして立ち現れる。確立した作家、ワークショップ起点の実践、新しい声を同じ場に集め、アーティストによって創設・運営される制度、世代間の継承、そして日々の労働と共鳴する素材を通して、文化的記憶がいかに持続するかを示す。結果として、ニューヨークとより広いディアスポラにおいて生きられ、表象されるプエルトリコのアイデンティティに対する、構造化され抑制の効いた視線を提示する。
会場・会期：Claire Oliver Gallery（ニューヨーク、ハーレム）— 2025年11月5日〜2026年1月3日 ／ アーティストを迎えたレセプション：11月7日（金）18:00–20:00 ／ プレスリリース発行：2025年10月3日。
