時に飽和状態ともいえる映画ミュージカルの世界において、グレゴリー・マグワイヤとスティーブン・シュワルツの作品を原作とするこの映画化ほど、大きな責任を背負った作品は少ないでしょう。アメリカで最も有名な悪役を文学的にひねった作品として始まった物語は、数十年の成功を経て、単なるエンターテインメント以上のものになりました。それは道徳、名声、そして権力がいかに人を腐敗させるかについての対話なのです。
第1部が私たちに「重力に逆らう」ことを促したとすれば、この完結編は、より地に足のついた、本能に訴えかける何かを約束しています。それは、「永遠に変わる」とはどういうことなのかについての、決定的な探求です。『ウィキッド 永遠の約束』というタイトルのこの映画は、単に残された伏線を回収するための続編ではありません。それは、ふさわしいスケールで映画館に届くまで何年もかかった、物語上の約束の成就なのです。この作品に飛び込むと、私たちは女性の友情、芸術的誠実さ、そして古き良きハリウッドの法的な珍事が交錯し、黄色いレンガの道をもう一度再定義する、魅力的な生態系を発見します。
別れのセマンティクス：「For Good」というタイトル
原題の『Wicked: For Good』は、単なるマーケティングの気まぐれで付けられたものではありません。ジョン・M・チュウ監督と彼のチームは、これを信念の表明として選びました。「For Good」は、ミュージカル史上最も象徴的で涙を誘うデュエット曲の一つ、二人の主人公の別れの曲を直接参照しています。さらに、これは翻訳不可能な言葉遊びでもあり、その裏にある文脈を豊かにしています。英語の「for good」は「永遠に」（不可逆的な変化）と「善のために」（慈悲深い意図）の両方を意味するのです。この映画は、それ自体がアイデンティティを持つ存在であり、ポスターでどう呼ばれようと、消せない足跡を残すことを約束する、自立した体験を目指しているのです。
錬金術のような化学反応：シンシアとアリアナ
視覚効果と衣装の下で鼓動する心臓があるとすれば、それはシンシア・エリヴォ（エルファバ）とアリアナ・グランデ（グリンダ）の間の電気が走るような絆です。この映画は、二人の絆が本物に感じられるかどうかにかかっています。幸いなことに、撮影現場で起こったことはフィクションを上回りました。彼女たちは、撮影全体の原動力となる姉妹のような関係を築き上げたのです。
脆弱性とライブボーカル
シンシア・エリヴォは、グランデとの仕事を「寛大さに基づいた双方向の道」だったと表現しています。化学反応を生み出すために無理なリハーサルは行われませんでした。「カチッ」という瞬間は即座に訪れたのです。エリヴォは、撮影前にアリアナがただ人生について話すためだけに自宅を訪れ、これから起こることに必要な信頼の基盤を築いてくれたと語っています。
そして、その信頼は不可欠でした。スタジオで録音されたトラックに合わせて口パクをする現代のほとんどのミュージカルとは異なり、監督は徹底的な「本物」にこだわりました。それは、撮影現場でのライブ歌唱です。エリヴォは、歌うことは非常に無防備な行為であり、ポストプロダクションという安全網なしに虚空に飛び込むようなものだと説明します。それを達成するために、二人はお互いを気遣い、互いの創造的な空間を守るという協定を結びました。
これは、私たちがスクリーンで目にするものを変革します。キャラクターたちが息を切らしたり、感情的に打ちひしがれたりするとき、彼女たちの声にはその「本物」の肉体的な努力が反映されています。ポップミュージックの正確さで有名なアリアナ・グランデは、その瞬間が求めれば声が震えたり、裏返ったりすることを厭わず、自らに不完全であることを許しました。
別れの感情的な重み
このコラボレーションのクライマックスは、ミュージカルナンバー『For Good』の撮影時に訪れました。伝えられるところによれば、それはただの撮影日ではありませんでした。カタルシス（浄化）でした。グランデは、物語の強烈さのあまりほぼ毎日泣いていたと告白していますが、あの曲は特に心を打ち砕くものだったと語っています。
そのシーンを撮影した時、彼女たちはもはや演技をしていませんでした。彼女たちはキャラクターの進化を共に生き、何を置き去りにしようとしているのかを深く理解していました。それは単なる歌唱テクニックではありませんでした。何ヶ月にもわたる「共有された成長」の結果だったのです。普段は冷静な技術スタッフも、最終的には目に涙を浮かべていました。これを記念して、二人の女優はお揃いのタトゥーを手にいれました。ケシの花と「For Good」という言葉です。歌が示すように、お互いのおかげで「善き方向へ」変わったことの永遠の証です。
涙の中の笑い
しかし、すべてがドラマチックだったわけではありません。撮影現場には多くの人間味と楽しい瞬間もありました。ある素晴らしい逸話は、グリンダの有名なバブルドレスと香水瓶にまつわるものです。テイクの最中に香水瓶がキュッと音を立て、アリアナが笑いの発作を起こし、それが全員に伝染したのです。また、（フィエロ王子役の）ジョナサン・ベイリーは、ロマンチックな緊張感が最高潮に達するシーンで「花とのアクシデント」に見舞われ、テイクは台無しになりましたが、場の雰囲気は和みました。この口コミで広まった友情はインタビューでも顕著で、アリアナがシンシアの手を握るという単純な仕草が、感情的なサポートの「ミーム」になるほどです。
よりダークでリアルなオズ
視覚的に、『ウィキッド 永遠の約束』は、古典的なファンタジーの飽和した輝きから離れ、より暗く、成熟した領域に足を踏み入れています。ジョン・M・チュウ監督は明言しています。第1部が驚異と発見についてだったなら、今回は「結果」と「抵抗」についてだと。
ディストピアの影響
チュウ監督は、この変化を説明するために『トゥルーマン・ショー』のような作品からの影響を挙げています。オズは楽園であることをやめ、プロパガンダが支配する警察国家としての姿を現します。その美学は覚醒を反映しています。キャラクターたちが魔法使いの背後にある真実を知るにつれて、人工的な輝きは消えていきます。セットは、アールヌーボーの美しさと、抑圧的な重さや現実感を混ぜ合わせ、「狂気の一歩手前」になるように設計されました。
触れることのできる魔法
グリーンバックの時代にあって、今作は「触れるもの」にこだわりました。何千もの本物のチューリップが植えられ、巨大な物理的なセットが建設されました。その狙いは、魔法を物理的なものとして捉えることです。エルファバが飛ぶとき、周囲の環境は「本当に」反応します。シンシア・エリヴォは、純粋な筋力を必要とする滑車システムを使用した脱出シークエンスを含め、多くのアクロバットを自ら演じました。ここでの魔法には、目に見えるコストと努力が伴うのです。
ドロシーと銀の靴の謎
ここで映画ファンにとって魅力的な詳細が登場します。この映画は『オズの魔法使』（1939年）と原作小説との関連性を、非常に知的に、そして著作権を尊重しながら扱っています。
文学的な原点回帰
もしあなたが有名なルビーの靴を期待しているなら、驚くことになるでしょう。靴は「銀色」なのです。これは間違いではなく、歴史的な修正であり、法的な必要性でもあります。1900年の原作小説では、靴は銀色でした。それをテクニカラーを誇示するために赤に変えたのは、1939年のMGM映画でした。「ルビーの靴」はワーナー・ブラザースの所有物であるため（そして本作はユニバーサルの映画です）、使用できなかったのです。
しかし、チームはこの制約を美徳に変えました。銀の靴を使用することで、彼らは原作本とブロードウェイ・ミュージカルの記述に準拠したのです。さらに、『ウィキッド 永遠の約束』のプロットにおいて、これらの靴はエルファバとネッサローズの母親から受け継いだ家族の形見であり、単なる魔法のアイテムを超えた感情的な重みを与えられています。
顔のない少女
もう一つの大胆な決断は、ドロシーの扱いです。彼女が物語の結末の引き金を引くにもかかわらず、映画は彼女を周縁的な、ほとんど「顔のない」人物として扱います。彼女のクローズアップや内面的な旅路は描かれません。カメラはエルファバとグリンダに忠実です。ドロシーを後ろ姿や遠景で映すことで、映画は私たちが彼女に対して持つ象徴的なイメージを守りつつ、この物語は彼女のものではないことを強調しています。これはエレガントな決断です。今回、マイクを持っているのは、彼女を殺した少女ではなく、魔女なのです。
古い世界のための新しい響き
オリジナルの作曲家であるスティーブン・シュワルツが、映画への飛躍が新しい素材によってその存在を正当化できるように、音の世界を拡張するために戻ってきました。
『The Girl in the Bubble』と『No Place Like Home』
舞台版にはない2つの新曲が追加されました。アリアナ・グランデが歌う『The Girl in the Bubble』（バブルの中の少女）は、名声の孤独を探求します。オズ中が彼女を崇拝する一方で、この歌は完璧さの泡の中に生き、真に人と繋がることができない孤立を描いています。
シンシア・エリヴォが歌う『No Place Like Home』（我が家に勝る場所はなし）。このタイトルは、ドロシーの有名なセリフに対する鮮やかな皮肉です。エルファバの口から語られるとき、それは故郷を追われた痛みと、自分の土地に居場所を見つけられないことの苦しみを歌います。これらは穴埋めではありません。映画は、舞台では時として許されない「沈黙」と「内省」に近づくことを可能にし、これらの曲はその感情的な空間を満たします。
豪華なキャスト
主役の二人を超えて、助演キャストが決定的なニュアンスをもたらします。ミシェル・ヨー（マダム・モリブル）は、気象を政治的な武器として使い、より不吉な存在となります。ジェフ・ゴールドブラム（魔法使い）は、カリスマ性と哀愁を織り交ぜ、権力を失うことを恐れる平凡な男を演じます。ジョナサン・ベイリー（フィエロ）は、カカシの神話と痛々しく結びつく悲劇的な変貌を遂げ、感情的な三角関係を完成させます。そしてイーサン・スレイター（ボック）は、ブリキの木こりとしての彼の未来の種をまくストーリー展開を担い、錆びついた運命を予感させる涙もろさといった繊細なディテールを見せます。
筋書き：名声から追放へ
『ウィキッド 永遠の約束』は、前作が終わった直後から物語が再開されますが、すべてが変わっています。エルファバは「邪悪な魔女」として悪者扱いされ、影からの戦いを強いられ、追放生活を送っています。一方、グリンダはエメラルドシティの体制の華やかな象徴であり、フィエロとの結婚式の準備を進めていますが、大衆の目をそらすためにモリブルが設計した金のかごに囚われています。
グリンダが友人と魔法使いとの間で不可能な和平を交渉しようとしたとき、対立が勃発します。これは、社会活動の個人的な代償と、共謀の道徳的な代償とを対比させながら探求する物語です。
賞賛される、想像力豊かなオズの世界の再生
『ウィキッド 永遠の約束』をこれほどまでに魅力的にしているのは、単に物語がどう終わるか（一般教養として誰もが知っている結末）ということだけではなく、それが「始まり」をどのように再定義するかということです。クレジットが流れる頃には、私たちは二度と『オズの魔法使』を同じ目で見ることができなくなる、という約束がなされます。邪悪な魔女はもはや平面的な怪物ではなく、悲劇的な活動家です。善い魔女は非の打ちどころのない救世主ではなく、平和を維持するために自らの真実を犠牲にした政治的な生存者なのです。
このプロダクションは、原作の精神を裏切らないよう細心の注意を払いながらも、それを拡張する勇気を持っていました。物語の展開を犠牲にしないために物語を二つに分けることから、生の感情を捉えるためにライブ歌唱を要求することまで。これはブロードウェイに敬意を表しつつも、その先へ行くために映画という媒体を使ったプロジェクトです。
ストライキや長年の開発期間を乗り越え、旅は長いものでした。しかし、待機は終わります。『ウィキッド 永遠の約束』は米国で11月21日に公開され、その後、世界各国で順次公開されます。さあ、飛ぶ時です。箒に乗ってではなく、時には善を行うためには、悪と呼ばれることを厭わない覚悟が必要だと、私たちに思い出させてくれる物語に乗って。
