ジョルジョ・モランディの静物画が求めるものは、ごくわずかだ。数本の瓶、箱、水差しがテーブルの上に寄り添い、白墨のような白とオークル、グレーで描かれ、物同士がぬくもりを求めて寄りかかっているように見えてくる。ボローニャのフォンダッツァ通りに暮らしたこの画家は、何十年もその限られたモチーフを描き続けた。ファンが繰り返し立ち返る逆説は、これほど狭い手段がまったく古びなかったことである。パリの Galleria d’Arte Maggiore g.a.m. で開かれる新たな展覧会「Un lieu de l’infini」(無限の場所)は、この主張を試そうとする。モランディを、抽象へはるかに踏み込んだ作家たちの隣に掛けるのだ。

手法は対話である。概観展ではない。ボローニャでフランコとロベルタ・カラロータが創設し、現在はサン＝ジェルマン大通りにも拠点を構えるこのギャラリーは、モランディの静物画を数点軸に据え、それぞれに後の世代の作家を一人ずつ組み合わせた。エットレ・スパッレッティ、李禹煥、ジョセフ・アルバース、ルーチョ・フォンタナである。組み合わせの多くは、ギャラリーがこれまでに実現してきた出会いの再現で、今回ひとつの屋根の下に集まった。

A small Morandi still life in a gilded frame beside a pale canvas of scattered brushstrokes — Image: Galleria d’Arte Maggiore g.a.m.

スパッレッティとの対話は、ギャラリーの歴史あるボローニャの展示室にさかのぼる。そこでこのイタリア人作家は壁を淡いクリーム色に塗り替え、自作とモランディの作品がひとつの宙づりの空気を共有できるようにした。批評家のフランチェスコ・ボナーミはそれを「二人のソプラノによるデュエット」と呼んだ。画家の友人だった美術史家フランチェスコ・アルカンジェリのコレクションに由来する1941年の静物画は、李禹煥の間隔を置いた意図的な筆致と出会う。この組み合わせは、ニューヨークのアーモリー・ショーで最初に披露された。アルバースとの接点は連作性である。「正方形へのオマージュ」が単一のモチーフに頑固に戻り続けるさまは、モランディが瓶に戻り続けたのと同じで、どちらの作品でも、形がどこで始まりどこで終わるかを決めるのは色だ。

最後の対話は光をめぐる。モランディは光をキャンバスの上でほとんど触れられるものにし、フォンタナは「切り裂き」の裂け目から光を物理的に招き入れる。ギャラリーは告知の中で、モランディの野心、すなわち「目に見えないものが現象になるまで、絵画言語の網の目を引き締めること」を、無限への通路としてのフォンタナの身振りに対置している。アルマン、Bertozzi & Casoni、セザール、ダダマイーノによるモランディへのオマージュも展示を締めくくる。

知的な拠り所はさらに古い。パリ市庁舎(Hôtel de Ville)は1987年にボローニャ市とともにモランディの回顧展を開き、その序文でフランコ・ソルミが「モランディ的条件」を論じた。自分に忠実でありながら他者と異なり続け、そうすることで時代の因習に抗う画家、という見方である。ギャラリーは今回の展覧会を、あれから40年近くを経たいまも開かれたままのその問いへの回帰として位置づけている。

「Un lieu de l’infini」は、2026年10月6日から11月5日まで、パリ7区の208 Boulevard Saint-Germain で開かれる。会期に合わせて刊行される書籍『Giorgio Morandi. Mark Rothko』は、Fondazione Calarota と Dario Cimorelli Editore による一冊で、フランコ・カラロータによる二人の画家の組み合わせを軸に構成されている。ワシントンのナショナル・ギャラリー・オブ・アートや、ロスコ財団のクリストファー・ロスコをはじめとする研究者や機関が寄稿している。

ボローニャをほとんど離れなかった画家にとって、無限とは常に、瓶とその影のあいだの数センチの問題だった。パリはいま、その距離を測る機会を得た。

タグ: Ettore Spalletti, Galleria d'Arte Maggiore, Giorgio Morandi, Josef Albers, Lee Ufan, Lucio Fontana