李禹煥、石と鉄板で「つくらない」芸術を貫いてきた美術家の現在地

李禹煥

生年	1936年6月24日 Seoul
職業	美術家
受賞	文化功労勲章 · ホアム芸術賞 · レジオン・ドナネール

李禹煥（Lee Ufan）は、創作人生の大半を「何もしない」ことに費やしてきた。むき出しの鉄板の前に置かれた巨石。壁一面のキャンバスを横切る、筆がかすれるまで引かれた一本の灰色の線。彼はこれを「つくる」ことではなく「出会う」ことの芸術と呼び、エッセイや、直島からヴェルサイユに至る美術館の庭園で、その考えを説いてきた。問題があるとすれば、最小限の表現があまりにも見分けやすくなったことだろう。大勢の人でにぎわうアートフェアでも、コレクターはひと目で李の作品を見つけ、オークションハウスは一本一本の線の価値を把握している。対象から距離を置こうとしたアーティストは90歳を迎えたいま、5カ国に広がる、自らの名を冠した祝賀の中心に立っている。

ごくわずかなものを凝視する習慣は、早くから身についていた。日本統治下の朝鮮半島南部、咸安郡で生まれ、その後釜山で育った李は、儒教を重んじる祖父から、家庭で書道や水墨画、中国古典の手ほどきを受けた。本人は、筆を持つより本を読むほうが好きだったと語っている。ソウル大学校で絵画を学び始めたものの、在籍したのはわずか数カ月。その後、病気の叔父に薬を届けるという家族の用事で日本に渡った。叔父に「ここに残りなさい」と言われ、李は日本にとどまり、今度は哲学を学んだ。

1936年6月24日生まれの李は、1961年までに東京の日本大学で哲学の学位を取得し、とりわけマルティン・ハイデガーに傾倒していた。短期間韓国に戻った際、軍事政権と衝突し、1960年代半ばには再び日本へ。絵を描くのと同じくらい、文章を書くようになった。初の個展は1967年3月、東京の佐藤画廊で開かれた。1969年にはエッセイ「From Object to Being」で美術批評家賞を受賞。彫刻家・関根伸夫についての論考では、関根が1968年に神戸の公園で行った作品に理論的な言葉を与えた。深い円筒形の穴を掘り、掘り出した土をその脇に柱のように立てた作品だ。Phase—Mother Earthは、「もの派」の出発点となる作品となった。

李はこの運動の理論家となり、最も雄弁な代弁者として知られるようになった。1971年にIn Search of Encounterとしてまとめられたエッセイで、李は、芸術はイメージをつくり出すことをやめ、ものや人、空間を接触させるべきだと論じた。彼の言葉を借りれば、世界をあるがままに提示するということだ。彫刻もまた、文章に続いて生まれた。Phenomena and Perception Bでは、ガラス板に石を落とし、ひびが思いのままに広がるに任せた。1970年代初頭以降、李はほぼすべての彫刻にRelatumという一つのタイトルを付けた。石と鉄板、ガラス、綿、あるいはゴム。それぞれは単独の物体というより、関係性を示す作品だった。40年後、李はグッゲンハイム美術館でガラスを使った作品を再制作し、巨石を手に、板の上に身をかがめた。

絵画は、より厳格なかたちで戻ってきた。1973年に東京画廊で初公開されたFrom PointとFrom Lineのシリーズには、李が身につけていた日本画の伝統に連なる素材が使われている。動物の皮から作る膠で、鉱物顔料を定着させたものだ。一度だけ絵の具を含ませた筆を、かすれるまで繰り返し動かす。点や線は、息が尽きていくようにキャンバスの上で薄れていく。1975年、李は同じ画廊で開催された「Five Korean Artists, Five Kinds of White」の企画にも助言を寄せた。朴栖甫ら4人の画家とともに参加したこの展覧会は、韓国の単色画「単色画」を運動として世に送り出した。李は1973年から2007年まで多摩美術大学で教え、長年、鎌倉とパリを行き来している。

後年の作品では、ほとんどすべてがそぎ落とされていく。1987年から1991年に描かれたWith Windsでは、より自由で素早い筆の動きが画面を横切る。1991年に始まったCorrespondenceでは、キャンバスに残るのは、油絵の具と砕いた石による灰青色の筆跡が一つか二つだけとなった。そして、ここ20年のDialogueシリーズでは、何層にも重ねた四角い筆跡を、広大な白い画面に一つだけ置いている。美術機関も李のもとに続いた。2011年にはグッゲンハイム美術館でアメリカ初の回顧展が開かれ、2014年にはヴェルサイユ宮殿の庭園、2019年にはワシントンのハーシュホーン美術館の広場全体が作品の舞台となった。いまでは李の名を冠する美術館が三つある。安藤忠雄が設計した直島の美術館は2010年に開館し、釜山のSpace Lee Ufanは2015年から、安藤が改修した邸宅にあるLee Ufan Arlesは2022年から開館している。

その成功を前に、議論は居心地の悪いものになる。「つくらない」芸術は、きわめて見分けやすいものになった。一本の灰色の線は認識しやすく、市場が学んだように、模倣もしやすい。1976年のFrom Lineのキャンバスは2014年にサザビーズで216万5000ドルで落札され、2000年から2011年にかけて韓国のオークションで最高額上位100点に入った李の作品数は、ほかの誰よりも多かった。2016年、ソウル警察と国立科学捜査研究院は、李の作品とされた絵画13点を贋作と断定した。李自身がキャンバスを調べて自作だと述べ、捜査当局が一部の作品について認めるよう迫ったと不満を訴えた。だが裁判所は警察側の判断を支持し、2017年、ソウルの裁判所は贋作を手がけた画商と画家に、最長7年の懲役刑を言い渡した。「自我を作品から取り除く」と語るアーティストをめぐって、厄介な問いが残った。手がそれほど重要でないのなら、それを誰の手と決めるのは誰なのか。美術史家のジョーン・キーはかつて、李を「どこにでもいて、どこにもいない人」と評した。その言葉は、両方の意味に響く。

それでも李の歩みは衰えていない。李は6月24日に90歳を迎え、この一年は李を中心に組み立てられてきた。Diaは5月、Dia Beaconで長期展示を開始。2025年に李が財団へ寄贈した8点の絵画を中心に構成されている。また、ヴェネツィアのサン・マルコ・アートセンターでは、ビエンナーレ関連企画として展覧会が開かれ、11月22日まで開催される。7月にはアヴィニョンの法王庁宮殿で、礼拝堂、厨房、回廊に合わせて再構成された4つのインスタレーションが公開された。フランスと韓国の外交関係樹立140周年を記念する催しの一環で、11月15日まで展示される。10月16日にはポルトのセラルヴェス財団で、李にとってポルトガル初となる大規模展「Fragments of Infinity」が開幕する。ヴィラのために制作された絵画も展示される。

そして、次はケルンだ。ルートヴィヒ美術館は11月6日、李にヴォルフガング・ハーン賞を授与し、翌日から個展を開催する。会期は2027年4月4日までで、李の作品を収蔵するため、最大10万ユーロが購入予算として確保されている。石は、それを置く手と同じくらい重要だと、李は一貫して語ってきた。この秋、ポルトやアヴィニョンと同じく、ケルンでも、その手は変わらず李自身のものだ。

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