アレックス・カッツ、写実の明快さで抽象表現主義を乗り越えたアメリカの画家

アレックス・カッツ

Photo: Unknown / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

生年	1927年7月24日 Brooklyn, New York, United States
職業	画家
受賞	John Simon Guggenheim Memorial Fellowship (1972) · American Academy and Institute of Arts and Letters (1988) · Lifetime Achievement Award, National Academy of Design (2007) · National Medal of Arts (2024)

アレックス・カッツが一度も答えようとしなかった問い——それは、1950年代から1960年代にかけてアメリカ絵画が唯一問う価値があると主張し続けた問いだった。すなわち、内側から描くとはどういうことか？抽象表現主義者たちは答えを持っていた——身振り、スケール、精神的な必然性。カッツには別のプロジェクトがあった。彼は、午後の光の中に現れるままのエイダの顔を正確に描きたかったのであり、それを理論化することには特に興味がなかった。

彼がやっていたことは、見た目よりも否定しがたいものだった。ジャクソン・ポロックのドリップ絵画が議論を席巻していた同じ年に、カッツはあらゆるもの——形態、陰影、階層——を平らにし、顔、木、パーティードレスという特定の輪郭によって中断される大きな色面へと変えるスタイルを開発していた。彼はクイーンズで育った。オデッサ出身のユダヤ人移民の息子として。彼の父親は、ソビエト革命がその家族史の一章を終わらせるまで、そこに工場を所有していた。カッツは1940年代後半にクーパー・ユニオンで学び、その後メイン州のスコウヒーガン・スクールで形成期の夏を過ごし、その後生涯にわたって戻り続ける風景に出会った。初の個展は1954年にロコ・ギャラリーで開催された。その後の10年間で、彼は約1000枚のキャンバスを破壊した——絶望からではなく、正確さから。彼は特定の何かを探しており、それに当てはまらないものすべてを捨てた。

彼が見つけたのは、アメリカの伝統と同様に日本の木版画や映画に負うところの多い絵画の様式だった。1960年代初頭に制作し始めた大規模な作品には、ポスターのようなグラフィックな確かさがあった。The Black Dress（1960年）は、同じ黒いカクテルドレスを着たエイダを6回映し、フィルムのコンタクトシートのように配置した。The Red Smile（1963年）は、幅約3メートルで、彼女の横顔を、背景というよりも雰囲気として機能する赤い広がり——そこから出られない部屋の色——の前に置いた。Blue Umbrella I（1972年）はさらに賭け金を上げ、絵画制作というよりも建築に近い寸法に達した。オークションにかけられたカッツ作品の中で最も高額で、300万ポンドを超えた。このどれも、市場を追いかけて得られたものではない。市場は数十年かけてゆっくりと現れ、その間ずっと同じ計算された動きを続けてきた画家に出会ったのである。

公的な野心も文字通りのものだった。1977年、カッツはタイムズスクエアにビルボードを設置した。23の肖像頭部が247フィート（約75メートル）にわたって並び、高さ20フィート（約6メートル）だった。3年後にはフォーリー・スクエアのU.S. Attorney’s Buildingのために壁画を完成させた。作品は外側へとスケールアップしていく一方で、その論理は完全に内側に留まっていた——顔、場所、光。

エイダ・デル・モロ——カッツが1957年のギャラリーのオープニングで出会い、1958年2月1日に結婚した女性——は、結婚生活を通じて250点以上の肖像画の主題となった。彼女はアメリカ美術史において最も多く描かれた女性の一人であるが、その絵画は心理学的解釈を拒む点で批評家たちを不安にさせてきた。それらはエイダが何を考えているかを教えてはくれない。カッツが見た瞬間に光が何をしていたかを教えてくれるのである。それが限界なのか原理なのかは、60年にわたって彼の作品をめぐる中心的な議論となっている。

その議論は直接検討する価値がある。カッツの肖像画における感情の平坦さ——姿勢や色彩、コートの裁断に関する情報は与えるが、油絵が歴史的に明らかにすべきとされる内面のドラマを差し控える表面——は、一部の批評家には回避と読まれる。ロバート・ストーはその作品の中に「抽象と具象の両方の側面を組み合わせた、アメリカ美術における新しく特徴的なタイプのリアリズム」を認めた。それは一つの描写の仕方である。もう一つの見方としては、カッツは画家が差し控えた心理を観客に補わせる方法を見つけたのであり、その差し控え自体が一つのコントロールの形式であるというものだ。絵画は打ち明け話をしない。提示するのである。

2022年以降、彼はiPhoneの写真を元に制作している——同じ分析的な目が新しい素材に適用されている。Four Seasonsシリーズは、2025年夏に東京のSCAI PIRAMIDEで展示され、メイン州のスナップ写真を、彼がこれまであらゆるものに適用してきたのと同じ統制のとれた明瞭さで大規模なキャンバスに変換した。続いて白い蓮のシリーズが、今度はメイン州のビーチの写真から制作された。2025年後半には、ニューヨークのグラッドストーン・ギャラリーで新作絵画が展示され、白い地に単一のオレンジ——メイン州の道路、その本質的な温度に還元されたもの——が探求された。

彼は2026年7月24日に99歳になった。その誕生日の前後数ヶ月の間に、彼の作品はテュービンゲン、ロンドン、ザルツブルク、ソウルで展示された。メイン州のコルビー・カレッジ美術館ではドローイングの回顧展が開催された。2024年10月にホワイトハウスで授与された全米芸術勲章は、彼の作品がアメリカの永続的な肖像を呼び起こしたことを称えた。しかしカッツが実際に呼び起こしたのは、それよりももっと具体的なものだ。それは、70年にわたって日常の物事を注意深く見つめ、見つけたものを説明しようとするプレッシャーに抗うことの代償についての永続的な肖像である。

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